EL HOMBRE QUE CAYÓ EN LA TIERRA
(The Man Who Fell to Earth. Reino Unido 1976. 140
mins.)
Director: Nicolas Roeg
Con: David Bowie, Rip Torn, Candy Clark, Buck Henry, Jackson D. Kane, Bernie Casey.
Guión: Paul Mayersberg sobre la novela de Walter Tevis. Fotografía: Anthony B.
Richmond. Música: John Phillips.
Newton
utiliza su conocimiento de tecnología más
avanzada para sacar patentes de muchos inventos en
la Tierra, logrando una gran riqueza como jefe de una empresa de tecnologías,
World Enterprises Corporation, ayudado por su abogado
de patentes, Oliver V. Farnsworth (Buck Henry). Con este dinero desea
construir naves espaciales que podrían llevar agua a
su planeta.
En Nuevo
México, Newton conoce a Mary-Lou (Candy Clark), una chica simple y trabajadora,
con quien empieza una relación romántica. Mary-Lou le muestra a Newton
costumbres terrenales, como ir a la iglesia, tomar alcohol,
la moda, y finalmente, el sexo. Pero su obsesión con el alcohol y la televisión destruyen
lentamente la relación romántica con Mary-Lou. Su identidad oculta es
descubierta por el doctor Nathan Bryce (Rip Torn),
uno de sus pocos amigos. También le revela su identidad extraterrestre a
Mary-Lou, quien no es capaz de aceptar el hecho.
Newton
intenta iniciar el programa de rescate para su planeta, pero justo antes del
primer despegue el gobierno lo detiene, mientras unos agentes asesinan a sus
socios, incluso a Farnsworth y su amante. El gobierno, que recibió información
sobre la verdadera identidad de Newton por Bryce, lo apresa en un apartamento
lujoso, y lo somete a rigurosos e inhumanos experimentos.
Después
de muchos años en prisión, Mary-Lou le visita, muy cambiada por los años
(su juventud y belleza han
desaparecido). Comprende que la relación con Newton ha fracasado, y se va.
Newton entonces se da cuenta de que la puerta está abierta, y que al gobierno
ya no les interesa su situación, y por lo tanto, escapa.
Newton
ha fracasado en su misión de salvar a su planeta. Se queda atrapado en la
Tierra, solo y desesperado. Trata de mandar un mensaje a través de unas
grabaciones que espera sean transmitidas por la radio. Bryce compra una
grabación, y decide ir a ver a Newton para saber qué contenía la grabación.
Bryce, ya viejo, se encuentra con Newton, quien sigue joven, aunque deprimido y
alcohólico, intentando superar la angustia de haber fracasado en su misión.
David Bowie es Thomas Newton, un extraterrestre que llega a
la Tierra en busca de agua para su planeta moribundo. Funda una empresa de
tecnología y rápidamente se convierte en multimillonario. Conoce a Mary-Lou,
una camarera, que lo introduce al alcohol, la televisión y el sexo. Newton
pierde su camino y termina paralizado por la ginebra y la depresión, incapaz de
sobrellevar la realidad de la vida moderna en el planeta Tierra.
ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO
(Alien.
E.U./Reino Unido. 1979. 177 mins.)
Director:
Ridley Scott
Con: Sigourney Weaver, Tom Skerritt, Ian Holm, John Hurt, Harry Dean Stanton, Veronica Cartwright, Yaphet Kotto.
Guión:
Dan O’Bannon. Fotografía: Derek Vanlint. Música: Jerry Goldsmith.
En
el verano de 1979 algo cambió en el cine. Nunca hasta entonces una película de
ciencia ficción había sido tan siniestra y terrorífica, nada que ver con la
claridad cristalina, aséptica y también inquietante de la película con mayor
impacto del género: 2001: Odisea del espacio. La historia de Alien fue
concebida por Dan O’Bannon, quien se inspiró en dos antiguas
películas, It: The Terror From Beyond Space y Ten
Little Indian in Space. El guión llegó a una pequeña productora recién
fundada llamada Brandywine. Sin embargo, uno de los productores, el entonces
joven director Walter Hill, se dio cuenta de que no podría afrontar el
presupuesto y acudió a la Fox para que tomara el mando del proyecto. Hill era
la primera opción para dirigir la película, pero otro de los productores
propuso el nombre de Ridley Scott. Por aquel entonces, Scott sólo era
conocido por sus trabajos publicitarios y por haber realizado la
estupenda Los duelistass (1977) a las órdenes del
prestigioso productor inglés David Puttnam.
Toda
la historia de Alien tiene lugar en una nave espacial, el
Nostromo, que en un viaje comercial de regreso a la Tierra intercepta una señal
de socorro procedente de un planeta cercano. En la exploración uno de los
tripulantes es atacado por un extraño parásito que se acopla a su garganta.
Cuando se dan cuenta de que en realidad, la señal recibida por la computadora
“Madre” no era de socorro, sino de advertencia, la tripulación ya ha dado
entrada en la nave a un ser desconocido y letal. El guión original fue
modificado para distanciarse más
de la película de Stanley Kubrick. Si ahí la computadora Hal lo dominaba
todo, aquí se prefirió que la computadora Madre quedara en un segundo plano y
para ello se dio entrada a un nuevo personaje, el androide Ash. Al margen de su
clara crítica al desmedido afán cientifista del hombre, el éxito de Alien habría
que achacarlo principalmente a tres aspectos. El primero es la elección de un
personaje femenino, la teniente Ripley, para encarnar al héroe, cosa que no
estaba prevista en el primer borrador. El rictus vigoroso del rostro de Sigourney
Weaverr dio al personaje el carisma que necesitaba. El segundo
aspecto es el ambiente tenebroso que logra crear Scott. La atmósfera de la
película es agobiante, claustrofóbica y las tripas del Nostromo (nombre
inquietante tomado de una novela de Conrad, al igual que la cápsula Narcissus
en la que viaja Ripley) parece una interminable red de galerías, una cueva
desconocida en la que cualquier rincón puede esconder una amenaza. Esta puesta
en escena llegó a convertirse en seña de identidad de Ridley Scott, el mejor
ideador de futuros hostiles e irrespirables (Blade Runnerr). Y el
tercer aspecto y más importante de todos es la criatura misma y su singular
presencia en la pantalla. Diseñado por el pintor surrealista H.R. Giger, el
Alien es un prodigio de imaginación. Su forma de desarrollarse y su composición
ácida son hallazgos descomunales que le dan un dominio total sobre los humanos.
Y, sin embargo, lo mejor de la criatura no es ella misma sino el tratamiento
que Scott le depara. Nada hay más amenazante que lo desconocido y el
espectador, consciente del peligro, nunca puede abarcarlo del todo. Ridley
apenas filma al Alien de frente y cuando lo hace sólo es por pocos instantes.
El monstruo siempre está escondido a la vuelta de la esquina, entre las
sombras, y aparece sin previo aviso. Sólo vemos los desechos humanos que va
dejando a su paso y esto da al film su genuino carácter terrorífico.
La escena inolvidable
Sin lugar
a dudas la escena más recordada es la que recoge al Alien rompiendo la caja
torácica de su huésped. Tras incubarlo en su interior, el malogrado Kane (John
Hurtt) protagoniza una especie de alumbramiento letal, dando luz no a un
ser humano sino a un monstruo. La escena cobra un realismo extremo gracias a
que ninguno de los actores, excepto Hurt, sabía exactamente qué iba a pasar. La
expresión de la actriz Veronica Cartwrightt cuando recibe el
baño de sangre es sobrecogedora.
2001,
ODISEA DEL ESPACIO
(2001: A Space Odyssey. Reino
Unido 1968. 139 mins.)
Director: Stanley Kubrick
Con: Keir Dullea, Gary Lockwood, William Sylvester, Daniel Richter, Leonard Rossiter, Margaret Tyzack, Robert
Beatty, Sean Sullivan, Frank Miller, Penny Brahms, Alan
Gilfford, Vivian Kubrick.
Guión: Stanley Kubrick, Arthur C. Clarke sobre la novela corta: Arthur C. Clarke. Fotografía: Geoffrey
Unsworth. Música: Richard Strauss, Johann
Strauss, György Ligeti, Aram
Khachaturyan.
Los
albores de la humanidad. Unos monos. Un extraño monolito. La violencia como
primer acto inteligente. Y de aquí saltamos... ¡al año 2001! La imagen de un
hueso arrojado al aire y dando vueltas, antecede a la elipsis más amplia
abordada nunca en una pantalla de cine. Millones de años han transcurrido hasta
la siguiente imagen que vemos, la de la nave espacial que conduce al doctor
Floyd a la Luna. El científico debe afrontar una misión muy delicada, pues
cierto descubrimiento podría demostrar que no estamos solos en el universo.
Kubrick
escribió el guión con el novelista de ciencia ficció Arthur C. Clarke, de quien
había leído el relato 'The Sentinel', origen del film. La película era audaz,
pues ofrecía una explicación del origen de la humanidad con varias lecturas: la
evolución, la intervención de una inteligencia superior en los diversos pasos
que atraviesa el hombre... Algunos decían que era soporífera, pero lo cierto es
que el film, rico y sugerente, no dejó a nadie insensible. Kubrick arrastró
riesgos considerables, como el de prescindir de una voz en off que hiciera el
relato más digerible para el público poco dispuesto a esforzarse.
Las
imágenes y la estética del film marcaron de modo decisivo el cine de ciencia
ficción. Cualquier película con naves espaciales, como Alien o La
guerra de las galaxias, , debía mirar necesariamente el film de Kubrick. Los
compases de “El Danubio azul” o la impactante música de “Así habló Zaratustra”
dejaban mella en el espectador. Como lo hacía HAL, aquella computadora de la
serie 9000, que se defendía con uñas y dientes de los astronautas que
pretendían desconectarla.
La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia
del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo
del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición
del "homo sapiens", unos primates descubren un monolito que los
conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro
monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por
último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de
inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave
espacial tripulada
Stanley
Kubrick es de esos cineastas a los que envuelve un aura de genialialidad y
misterio no exenta de toques excéntricos y puntilloso perfeccionismo. Ello dio
a sus filmes una fuerza visual asombrosa. El lado malo es que sólo nos pudo
legar 13 películas, pues en cada una se tomaba su tiempo. Se encerraba en su
casa, lejos del mundanal ruido, y controlaba sus filmes de cabo a rabo: desde
el concepto original hasta las copias que se exhibían en las salas.
SUNSHINE:
ALERTA SOLAR
(Susshine. Reino Unido 2007.
98 mins.)
Director: Danny Boyke
Con: Cillian Murphy, Chris Evans, Michelle Yeoh, Rose Byrne, Troy Garity, Cliff Curtis, Hiroyuki Sanada, Benedict
Wong, Mark Strong.
Guión: Alex Garland. Fotografía: Alwin Kuchler. Música: John
Murphy.
En un plazo de cinco años el Sol se apagará, y con él se
extinguirá la raza humana. La última esperanza de los hombres es el Ícarus II,
una nave espacial tripulada por seis hombres y dos mujeres, cuya misión
consiste en llevar una gigantesca carga explosiva que insuflaría nueva vida a
la estrella y le permitiría volver a brillar, salvándose así la población de la
Tierra. El problema es que la nave Ícarus ya había llevado a cabo la misma
misión siete años antes y había fracasado.
El
británico Danny Boyle se labró un inmenso prestigio con sus primeras
películas Tumba al ras del suelo y Trainspotting, rodadas en su
país. Después, ha mostrado su valía para géneros tan diversos como la comedia (Una
historia diferente) y hasta el terror (28 días después). Esta vez le
hinca el diente a la ciencia ficción dura, tomando como referencia 2001:
una odisea del espacio, pues el film tiene numerosos elementos en común con
el clásico de Kubrick. No faltan homenajes a otros clásicos, especialmente a la
película Alien, el octavo pasajero. En el año 2057, los
científicos han detectado que el sol está a punto de apagarse. Los ocho
integrantes de la tripulación de una astronave intentarán desesperadamente
solucionar el problema, viajando hasta las cercanías del Astro Rey, para
arrojar sobre él una bomba que podría reactivarlo. Por el camino, reciben un
mensaje de socorro, procedente de otro vehículo espacial que intentó realizar
la misma misión años antes. Acudir en su ayuda supone desviarse ligeramente de
la trayectoria prevista.
A
Boyle se le da bien retratar personajes muy humanos, a los que coloca en
situaciones límite, como se veía en La playa y la citada 28
días después, las otras películas en que ha trabajado con el
guionista Alex Garland, responsable del libreto también aquí. Esta parte
‘humana’ del film es la que mejor funciona, con secuencias memorables, como el
mensaje que Capa, uno de los protagonistas, envía a su familia cuando está a
punto de perder definitivamente el contacto con ellos, quizás para siempre, o
la asamblea en la que éste debe tomar la difícil decisión de si deben desviarse
por la señal de socorro. Se nota el esforzado trabajo de los nueve actores del
film, casi todos desconocidos, excepto Michelle Yeoh y Cillian
Murphy, que empezó a despuntar precisamente con 28 días después. La
naturaleza de la trama permite que Boyle se luzca en el apartado visual, con
imágenes impactantes de la nave acercándose al Sol, las apariciones de
Pinbacker (un tipo espectral formado por partículas inestables...) y varios
momentos de suspense bastante logrados.
Ensayos
intensivos
Danny
Boyle es uno de los directores que más ensayan con los protagonistas de sus
películas, y esta vez les hizo preparar sus papeles a conciencia.
A Cillian Murphy, que iba a interpretar a un físico, le mandó con un
físico real, el Dr. Brian Cox,
a su Centro de Estudios Nucleares, en Ginebra. Por su parte, Michelle
Yeoh preparó su papel de astronauta, con Daniel W. Bursch, un auténtico
piloto de la NASA. “Es una de las personas que batieron el récord americano de
permanencia en el espacio, casi ocho meses”, comenta Yeoh. Incluso realizó un
viaje con todos sus actores en un avión ligero, para experimentar la gravedad
cero. Por último, les hizo convivir durante dos semanas, en habitaciones para
estudiantes poco lujosas, para crear una especie de familiaridad entre ellos.
STAR
TREK: VIAJE A LAS ESTRELLAS
(Star Trek. E.U. 1979. 132
mins.)
Director: Robert Wise
Con: William Shatner, Leonard Nimoy, DeForest
Kelley, Persis Khambatta,Stephen Collins, James Doohan, George Takei, Nichelle
Nichols, Majel Barrett,
Walter Koenig, Grace Lee Whitney, David Gautreaux.
Guión: Harold Livingstone
sobre una historia de Gene Roddenberry, Alan
Dean Foster. Fotografía: Richard H. Kline. Música: Jerry Goldsmith.
Se
trata de un clásico televisivo de los años 70, llevado también con éxito al
cine. Los protagonistas son los mismos que en la serie de televisión. Spock
está dispuesto a sacrificar su vida por la de sus amigos, entre ellos Kirk y su
hijo, para darles la posibilidad de buscarse un lugar seguro. Pero en el
espacio hay cientos de seres que acechan, y múltiples peligros que deben
sortear.
Muy
recomendable para los numerosos fans de esta inagotable saga, aunque para el
resto puede resultar más ardua. Es una especie de teleserie llevada al espacio,
sin la espectacularidad ni el ritmo trepidante de La guerra de las
galaxias, pero con un mayor tratamiento de los personajes. Es interesante
el curioso universo de Star Trek. La música de Jerry Goldsmith es muy
brillante.
Los
trekkies
Los fans
de Star Trek, conocidos como trekkies, son legión. Quizá menos en España,
aunque también hay alguno suelto, como se encargó de recordar Fernando
Colomo en su film El efecto mariposa,
donde aparecía un trekkie. Los trekkies convencidos visten con un pijamilla
como el de los personajes de las series y películas. Defienden su producto con
uñas y dientes, y hasta organizan convenciones, donde discuten sobre la
supuesta filosofía que subyace en la saga.
ACCIÓN
MUTANTE
(España. 1993. 94 mins.)
Director: Alex de la Iglesia
Con: Antonio Resines, Álex Angulo, Frédérique
Feder, Juan Viadas, Karra
Elejalde, Saturnino
García, Fernando Guillén, Jaime Blanch, Ion Gabella, Alfonso
Martínez, Bibiana Fernández (AKA Bibí Andersen), Rossy de Palma, Enrique San Francisco, Féodor Atkine, Felipe Vélez, Francisco Maestre, Ramón Barea, Santiago Segura, David
Gil, Carlos Perea.
Guión: Álex de la Iglesia, Jorge Guerricaechevarria. Fotografía: Carles Gusi. Música: Mariano
Lozano.
Bilbao, año 2012. Una extraña banda terrorista, "Acción
Mutante", siembra el terror en el país. Está formada por seres deformes
que pretenden vengarse de los ricos y guapos. El cerebro del grupo es el
malvado Ramón, un ser sin escrúpulos. La banda planea el secuestro de la hija
de un conocido industrial, durante una boda... (FILMAFFINITY)
Ramón
es el jefe de una banda conocida como 'Acción mutante', compuesta por unos
tipejos feos y deformes que se dedican a sembrar el pánico entre la gente
adinerada y a matar a todo pijo que se ponga a su alcance. Su próxima víctima
es Patricia, la hija de un importante empresario, el cual hará lo que sea por
recuperarla. Mientras, la banda sigue haciendo de las suyas, y la chica se
enamora de Ramón.
Ópera
prima de Álex de la Iglesia y film de culto que le auguraba a su
director un exitoso futuro en el cine. Fue un punto de inflexión dentro del
cine español, tan acostumbrado a las dichosas películas de la guerra civil.
Después vendrían El día de la bestia, Perdita Durango o La comunidad,
filmes de De la Iglesia, en donde se mezcla thriller, acción y unos ácidos
toques de humor negro.
En Acción mutante, destaca
especialmente el reparto, con rostros de actores tan conocidos como Antonio
Resines, Karra Elejalde, Álex Angulo o Saturnino García.
"Deslumbrante
ópera prima, con alucinantes movimientos de cámara y metraje idóneo, de
concepción casi disneyana, algo inacostumbrado en una obra primeriza, tan
proclive a la desmesura". Daniel Monzón: Fotograma
"Lejos del director la tentación del buen
gusto. De la Iglesia acierta a convertir un simpático ejercicio de estilo en un
pim-pam-pum en el que cristiano que asoma la cabeza, cristiano que es
decapitado" Luis Martínez: Diario El País
GHOST IN
THE SHELL
(Kokaku Kidotai. Japón 1995.
83 mins.)
Director: Mamoru Oshil
Animación. Guión: Kazunori Itô (Manga: Masamune Shirow).
Fotografía: Hisao Shirai Música: Kenji Kawai.
En un
mundo futuro, las máquinas y los hombres conviven entre sí, sin apenas
diferencia entre unos y otros. A los humanos se les inserta unos chips en el
cerebro que les convierte en seres evolucionados, mitad hombre, mitad
ordenador, conocidos como 'espíritu'. Makoto Kusanagi es uno de ellos y tiene
la misión de ir a la caza de un pirata informático. Por el camino no estará
exento de peligros.
Cinta
de animación japonesa que reunió a numerosos seguidores del manga, cuya trama
tiene lugar en un mundo futuro de ciencia-ficción. Los dibujos están hechos con
detalle y no faltan buenas dosis de acción.
Año 2029. En una enorme ciudad asiática, una mujer robot
policía -cyborg- investiga las siniestras actividades de un misteriososo
hacker, un supercriminal que está invadiendo las autopistas de la
información.
La versión en cine de 1995 del manga Ghost in the Shell, de Mashamune Shirow, es una película
de dibujos animados realizada con la técnica japonesa conocida como ánime, que
tiene características únicas dentro del género y es una muy difundida forma de
entretenimiento en ese país. Ha sido influencia de animadores en otras culturas
y aborda toda clase de temas como el amor, la ciencia ficción, la muerte, la
espiritualidad, las aventuras, el horror, comedias. Puede ir dirigida a
cualquier clase de públicos sin distingo de edades ni sexo. Incluso hay cine
XXX en el ánime y se celebran festivales y congresos de fans de manga y ánime
en todo el mundo.
El argumento en Ghost in the Shell,
de 1995, está ubicado en unos 30 años en el futuro y se desarrolla dentro del
subgénero cyberpunk derivado de la
ciencia ficción. El mundo ha entrado en cierta decadencia, hay cambios en la sociedad,
la cultura y la política. Los contenidos mezclan procesos científicos avanzados
con la tecnología e informática futuristas. (Lucero Solórzano. Excelsior)
NAUSICAA
EN EL VALLE DEL VIENTO
(Kaze no Tani no Naushika. Japón 1984. 116 mins.)
Director: Hayao Miyazaki
Animación. Guión: Hayao Miyazaki (Manga). Música: Joe
Hisaishi.
En un futuro lejano, mil años después de una guerra de
carácter apocalíptico, la Tierra aparece cubierta de bosques plagados de hongos
venenosos y de insectos gigantescos. Los hombres han sido diezmados; los
supervivientes viven en algunos poblados aislados y sobreviven a duras penas en
las cercanías de un bosque contaminado con gases tóxicos e insectos mutantes
gigantes, que cubren gran parte de la Tierra. Nausicaä es la princesa de El
Valle de Viento, un reino minúsculo, rodeado de reinos más poderosos y
hostiles. Es una guerrera que sabe pilotar naves, pero es también compasiva,
tanto que se resiste a ver a los insectos como enemigos, sobre todo a los Ohms,
artrópodos gigantescos y temibles por los que siente una extraña simpatía. La
crisis estalla cuando el reino vecino de Tolmekia, encabezado por la princesa
Kushana, invade El Valle del Viento. (FILMAFFINITY)
En un
mundo futuro, los hombres no han sabido utilizar ecológicamente los recursos y
la Tierra se ha convertido en un gran vertedero tóxico, con plantas venenosas,
animales extraños y una atmósfera irrespirable en algunas zonas. Solo pequeñas
tribus de personas sobreviven como pueden, en una especie de nueva Edad Media,
manteniendo conflictos unas con otras; la princesa Nausicaä, una joven que vive
en el reino conocido como Valle del Viento, comulga de un modo especial con la
naturaleza, y sufre ante el actual estado de las cosas. Ella quiere la paz
entre los hombres e indagará en las causas que han llevado a la humanidad a
esta situación de suciedad y polución, para intentar reparar el daño.
Una de
las primeras películas del maestro nipón Hayao Miyazaki (Porco Rosso, La princesa Mononoke), que
adaptó su propio manga. Ya contaba con unos dibujos preciosos y una potente
moraleja de fondo en su trama épica. En este caso, ofrece una vibrante aventura
-aunque en algunos momentos algo críptica, interesará más a unas sensibilidades
que a otras-, a la vez que lanza un grito contra la contaminación y advierte
del valor de cuidar la naturaleza, los animales y las plantas en este mundo en
el que vivimos.
Los
dibujos llenos de acción, ingenio, frescura, imaginación y buenos valores
encantarán a niños y a grandes.
LA MOMIA
AZTECA CONTRA EL ROBOT HUMANO
(México 1958. 65 mins.)
Director: Rafael Portillo
Con: Ramón Gay, Rosita Arenas, Crox Alvarado, Luis Aceves Castañeda, Jorge Mondragón, Arturo Martínez, Emma Roldán, Julián de Meriche, Salvador Lozano, Jaime
González Quiñones, Ángel Di Stefani, Adolfo Rojas, Jesús Murcielago Velázquez, Enrique Yáñez.
Guión: Guillermo Calderón, Alfredo Salazar. Fotografía:
Enrique Wallace. Música: Antonio Díaz Conde.
Un científico loco construye un robot para robar un
inconmensurable tesoro azteca de una tumba que por cientos de años ha sido
custodiada por una momia de aspecto bastante desagradable.
VOLVER
AL FUTURO
(Back to the Future. E.U. 1985. 116 mins.)
Director: Robert Zemeckis
Con: Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin
Glover, Claudia Wells,Thomas F.
Wilson, James Tolkan, Billy Zane, Sachi Parker.
Guión: Bob Gale, Robert Zemeckis. Fotografía: Dean Cundey.
Música: Alan Silvestri.
El adolescente Marty McFly es amigo de Doc, un científico al
que todos toman por loco. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo,
un error fortuito hace que Marty llegue a 1955, año en el que sus futuros
padres aún no se habían conocido. Después de impedir su primer encuentro,
deberá conseguir que se conozcan y se casen; de lo contrario, su existencia no
sería posible. (FILMAFFINITY)
Las
aventuras de Marty McFly a través del tiempo son casi un clásico. Robert
Zemeckis reinventó las travesías temporales que ya ideara H.G. Wells en
su célebre novela "La máquina del tiempo", varias veces llevada al
cine. Zemeckis Forrest Gump, Lo que la verdad esconde) logra un fabuloso cóctel de
acción y comedia, gracias a un guión milimétrico y a unas interpretaciones
meritorias de los dos actores principales: Michael J.
Fox, que da vida a Marty, y Christopher Lloyd, que encarna a
Doc, el loco científico amigo del protagonista.
En esta
primera entrega, Marty viaja a la época del Rock'n Roll para conseguir el
encuentro con sus futuros padres. Inolvidable el punteo en el baile de fin de
curso.
BLADE
RUNNER
(Blade Runner. E.U. 1982. 112 mins.)
Director: Ridley Scott
Con: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Daryl Hannah, M. Emmet Walsh, Brion James, William Sanderson, Joe Turkel, James Hong, Morgan Paull.
Guión: David Webb Peoples, Hampton Fancher.
Argumento de Phillip K. Dick sobre la novela "Do Androids Dream of Electric
Sheep?". Fotografía: Jordan Cronenweth. Música: Vangelis.
Los
Angeles, año 2019. Rick Deckard (Harrison Ford) es un blade runner, un cazador
de replicantes rebeldes. Los replicantes son robots construidos a semejanza de
los humanos, más perfectos que éstos, pero sin sentimientos y, por tanto, sin
recuerdos. Sus inventores no contaron con que, en su evolución genética,
podrían adquirir los mismos sentimientos que los humanos. De manera que la
pregunta que Deckard debe plantearse, a la vez que trata de aniquilarlos, es:
¿se han convertido los replicantes en unos seres más humanos que los propios
humanos?
Ridley
Scott debe su magnífica reputación a esta película y a Alien, el
octavo pasajero(1979), otra producción mítica de la ciencia
ficción. En esta ocasión mezcla de manera particular y magistral el cine negro
con el de ciencia ficción, a partir de una novela de Philip K. Dick.
Construye una película muy interesante, creando una atmósfera inigualable y
envolvente, que muchas películas posteriores del mismo género han tomado como
referencia. Harrison Ford completa un papel sobresaliente, contagiando sus
dudas y la identidad que va adquiriendo con los replicantes a los que debe
cazar. La atractiva y coherente estética es fascinante. Algunos aspectos de la
película, como la ligazón del ser humano a sus recuerdos, han trascendido el
mundo del cine, y son estudiados por filósofos y antropólogos. Pero el film
ofrece otros muchos puntos de reflexión -globalización, ética de la
biotecnología, el enigma de la muerte- casi inagotables. Una obra maestra.
La versión
final
Además de
las lógicas mejoras técnicas, con una gran remasterización de sonido e imagen,
algunos de los cambios de la versión ahora editada por primera vez son: la
inclusión de nuevas imágenes de Joanna Cassidy y de algunos planos
del bar de Taff, una nueva iluminación en la escena final de Rutger Hauer y Harrison
Ford; más metraje acerca del unicornio; y la eliminación de cables y el añadido
de más naves.
Historia
de una película o la edición más larga jamás contada
Pocas
películas han sido modificadas tantas veces como Blade Runner desde que se estrenara en 1982. Hasta
ahora existían cuatro versiones: la copia del trabajo de antes del lanzamiento;
la que se estrenó en 1982 en Estados Unidos, con cortes de las escenas más
violentas; la llamada "versión internacional", también en 1982, con
mayor profusión de sangre y algo más de metraje; y la que se comercializó en
1992 como "El montaje del director". Sin embargo, cuando se cumple el
25 aniversario, se entrega la "versión final", de la que Scott dice:
"El montaje es el producto de siete años de trabajo y el producto de una
visión que me ha perseguido durante mucho tiempo. El montaje que se estrenó en
1992 no era realmente mío. En aquella época yo estaba en la postproducción
de Thelma y
Louise y simplemente pasé instrucciones al estudio,
que deseaba pasar un Director's Cut, con cortad el final, prescindid de la voz
en off y un par de cosas más. Por tanto, y aunque en cine es difícil decir
cuando una película está acabada, puedo decir que por lo que a mí respecta,
esta edición es la definitiva"
EL
HOMBRE ILUSTRADO
(The Ilustrated Mann. E.U. 1969. 103 mins.)
Director: Jack Smight
Con: Rod Steiger, Claire Bloom, Robert Drivas, Don Dubbins, Jason Evers, Tim Weldon, Christine Matchett.
Guión: Howard
B. Kreitsek sobre la novela de Ray Bradbury. Fotografía: Philip H.
Lathrop.
Uno de
los personajes principales del argumento empieza a mantener una buena relación
de amistad junto con otra persona que tiene su organismo totalmente tatuado,
algo que en un principio sorprende al protagonista pero tampoco le resulta
demasiado extraño. Sin embargo, este hombre pretende localizar el paradero de
la señora que se los implantó en el cuerpo y vengarse de ella porque en
realidad dichas marcas son una especie de condena que tortura a su portador.
Cada uno de los símbolos implica una aventura impactante y despiadada. ¿Podrán
ambos unir sus fuerzas para encontrar a la hechicera y poner fin a su maléfico
embrujo?
LOS
NIÑOS DEL HOMBRE
(Children of Men. Reino Unido. 2006. 105 mins.)
Director: Alfonso Cuarón
Con: Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Chiwetel Ejiofor, Charlie Hunnam, Claire-Hope Ashitey, Pam Ferris, Danny Huston, Peter Mullan.
Guión: Alfonso
Cuarón, Timothy J. Sexton, David Arata, Mark Fergus, Hawk Ostby.
Fotografía: Emmanuel Lubezki. Música: John Tavener.
El
director mexicano Alfonso Cuarón aceptó adaptar libremente la novela
de P.D. James Hijos de los hombres, atraído por su
premisa: un futuro próximo, el año 2027, con una humanidad en peligro de
extinción, por la infertilidad de las mujeres. Con tan sugestiva idea traza una
parábola de un porvenir nada halagüeño, que presenta inquietantes similitudes
con el panorama actual, de flujos migratorios y cierres de fronteras,
manifestaciones de radicales y movimientos antisistema, con la deshumanización
del hombre como quid de la cuestión.
El
film arranca con un personaje gris y tristón, requerido por su ex esposa,
activista de uno de esos grupos no gubernamentales que busca, de algún modo, un
mundo mejor. A regañadientes se convertirá en escolta de una mujer que, de modo
inesperado, ha quedado encinta. Y ese cometido no deseado le devolverá
paulatinamente la esperanza perdida.
Justamente
puede definirse a Cuarón como contador de cuentos: La princesita, Grandes
esperanzas, Harry Potter y el prisionero de Azkaban… Hasta el
sobrevalorado relato iniciático Y tu mamá también encaja en el
formato ‘cuento’. Hijos de los hombres es una historia
sencilla con telón de fondo apocalíptico, de hombres cansados y sin referencias
que les permitan seguir con ilusión el día a día. Las lágrimas silenciosas al
inicio, por la muerte violenta del hombre más joven del planeta, es un perfecto
resumen de la situación, de falta de amor y aprecio por la vida. A lo que sigue
el vacío vital del protagonista, lacónico y eficaz Clive Owen, y esa
mirada nostálgica al mundo hippy del personaje de Michael Caine,
cultivador de marihuana que se lamenta por el mundo, aunque poco haga por
transformarlo.
Puede
tacharse el film en algún momento de reiterativo, por las numerosas escenas de
persecución o de caos, pero el poderío visual del director y su operador
habitual Emmanuel Lubezki es tal, que la elemental trama se sostiene.
Especial mención merecen la escena en que la visión de una criatura conmueve a
quienes instantes antes estaban combatiendo, aunque se trate de un sentimiento
efímero; o la de la barca en la niebla.
EN EL
GLOBO PLATEADO
(Na srebrnym globie. Polonia 1987.166 mins.)
Director: Andrzej Zulawski
Con: Andrzej Seweryn, Jerzy Trela, Grazyna Dylag, Waldemar Kownacki, Iwona Bielska, Jerzy Gralek, Elzbieta Karkoszka, Krystyna Janda.
Guión: Andrzej Zulawski. Fotografía: Andrzej Jaroszewicz.
Música: Andrzej Korzynski.
El film utiliza la ficción para acercarse más a la filosofía
que a lo estrictamente científico y/o tecnológico. A fuerza de pura
cinematografía, en escenarios naturales y sin mayores efectos especiales que
algunos pocos filtrados, Zulawsky reflexiona aquí sobre lo humano a través de
una prosa poética que da forma a un relato que abreva tanto en las preguntas
como en el simbolismo de distintas tradiciones místicas y religiosas.
El argumento gira en torno a una
expedición de astronautas que, gracias a una grabación enviada a través del
espacio, logran aterrizar en un planeta muy parecido a la Tierra. Antes la
humanidad ya ha poblado otros planetas, alrededor de 30, por lo que la búsqueda
de la civilización perfecta sigue siendo parte esencial de
nuestra condición. En este nuevo planeta azulado, los astronautas crean
una nueva civilización bajo los conceptos de amor, paz y prosperidad, intento
que termina frustrado, pues sus hijos, las generaciones futuras,
reinciden en los mismos errores que se cometían en la Tierra. Se
declaran guerras, se derrocan tradiciones, se imponen religiones, se anhelan
mesías, se crucifican a los mismos. En esta película se plasma la imposibilidad
de crear un mundo nuevo; el ser humano nunca cambiará, como si dicha maldición
residiera en sus propios genes.
Es sin duda una película extraordinaria que nos lleva hasta los
estrados más altos de la negación, la duda y la experiencia filosófica,
oscilando entre el nihilismo y la credibilidad. Repleta de alegorías, nos
sujeta a un discurso meramente poético, Sobre el globo de plata es una de las
películas de ciencia ficción que mejor retratan el advenimiento de las próximas
eras espaciales. Obra que nos sigue cuestionando qué tanto hemos evolucionado
los seres humanos para lograr hacerle frente a todas las adversidades. (https://culturacolectiva.com)
LA
LLEGADA
(Arrival. E.U. 2016. 116 MINS.)
Director: Denis Villeneuve
Con: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg, Nathaly Thibault, Mark O'Brien, Tzi Ma, Abigail Pniowsky, Pat Kiely.
Guión: Eric Heisserer. Fotografía: Bradford Young. Música:
Jóhann Jóhannsson.
La
doctora Louise Banks. La mayor experta en lenguas del planeta. Que conoce lo
que es el dolor, perdió a una hija en edad universitaria, seguramente por un
cáncer. A punto de comenzar a impartir una clase en la facultad donde trabaja,
se entera, como el resto del mundo, del aterrizaje de 12 naves espaciales en
otros tantos puntos diferentes del planeta. Una de ellas está en Montana, y
Louise es requerida, junto a otros muchos expertos en distintos campos de la
ciencia, como el matemático Ian, para tratar de comunicarse y entender cuáles
son las intenciones de los visitantes extraterrestres. La situación es
delicada, pues la población está asustada, se han producido disturbios y
saqueos, reacciones violentas de todo tipo, más los planteamientos de distintos
tipos de iluminados. Además, países como China y Rusia, se muestran más
temerosos y podrían responder con un ataque militar preventivo.
El
canadiense Denis Villeneuve (Prisioneros, Sicario) sigue
dando muestras de su poderío narrativo y visual a través de las películas. Aquí
adapta un relato corto de Ted Chiang, convertido en guión por Eric
Heisserer, que en el mismo año ha visto convertido en película otro de sus
libretos, Nunca
apagues la luz, lo que por comparación permite ver cómo las cosas
cambian cuando hay detrás un director con claro peso específico.
La
película incide en la idea de la comunicación, hacerse entender, ponerse en el
lugar del otro, no obrar precipitadamente, como fundamento para cualquier tipo
de entendimiento, ya sea entre naciones, ya sea entre personas. Y la paradoja
estriba en que una puede ser muy buena en conocimiento de teoría del lenguaje,
y aplicar esto a la comunicación con otra civilización, y al mismo tiempo
advertir que en el trato directo con personas no sabe expresarse exactamente
como quisiera.
Suerte
de Encuentros cercanos de tercer
tipo con personalidad propia –resulta curioso advertir cómo otros cineastas
importantes, con mayor o menor fortuna, han intentado abordar este tipo de
historias, además de Steven Spielberg, están Stanley Kubrick (2001, una odisea del espacio), Robert
Zemeckis (Contact) y Christopher Nolan (Interstellar)–, la
película estética y visualmente está muy bien resuelta, las escenas en que
humanos y alienígenas se encuentran frente a frente son muy originales, así
como el modo en que "hablan" entre ellos. La banda sonora de un Jóhann
Jóhannssonen alza ayuda a crear la adecuada atmósfera que exige la
historia.
El
reparto está muy bien, con una sobresaliente Amy Adams, que sabe entregar
una combinación perfecta de fortaleza y fragilidad, sabiduría y ternura, miedo
y confianza, lo que ayuda a que la complicada resolución del film con sorpresa
funcione y deja al espectador dando vueltas y revueltas a lo que ha visto.
SHIN
GODZILLA
(Japón. 2016. 120 mins.)
Dirección; Hideaki Anno, Shinji Higuchi
Con:
Hiroki Hasegawa, Yutaka Takenouchi, Satomi Ishihara, Ren Ohsugi, Akira Emoto, Kengo Kora, Mikako Ichikawa, Jun Kunimura, Pierre Taki, Kyusaku Shimada, Takahiro Miura, Ken Mitsuishi.
Guión: Hideaki Anno. Fotografía: Kosuke Yamada. Música: Shiro
Sagisu.
Godzilla, fuerza destructiva insondable para el hombre,
resucita en el Tokio de hoy en día para acosar de nuevo a la civilización. Un
país aún atormentado por las secuelas de un desastre natural, experimenta de
repente el horror catastrófico de Godzilla. Desafiado por la muerte y la
desesperación, Japón deberá encontrar la fuerza para superar estos desafíos.
La
guardia costera investiga un yate abandonado en la bahía de Tokio. El navío se
hunde como consecuencia de un incidente; no se saben muy bien las causas. Rando
Yaguchi, Director Adjunto Secretario del Gobierno, da credibilidad a un vídeo
viral que muestra a una extraña criatura vista cerca de la zona. Le toman a
broma, pero…
Toho,
estudio que creó a Godzilla con Japón bajo el terror del
monstruo, de 1954, vuelve a producir una entrega de la saga, 12
años después de Godzilla: Final Wars,
su último film de Godzilla. Supone la vigésimo novena cinta de la casa
protagonizada por el monstruo, la trigésimo primera contando también los
trabajos en Hollywood de Roland Emmerich y Gareth Edwards, lo
que deja atrás a las 25 cintas oficiales de James Bond, que en todo caso serían
26 si se cuenta Nunca
digas nunca jamás. Shin Godzilla supone un nuevo reinicio, pues
comienza de cero.
Nacida
como reflejo del terror nuclear durante la Guerra Fría, la criatura se politiza
en esta ocasión más que nunca en manos de dos realizadores, Shinji Higuchi,
especializado en monstruos, y Hideaki Anno, procedente de la animación. El
conjunto satiriza a los mandatarios nipones, mostrados en su gran mayoría como
chapuceros, preocupados por ascender, pero incapaces de hacer nada útil para
parar la destrucción de su país, crítica que para los espectadores extranjeros
será extensiva en mayor o menor medida a algún que otro país más.
Lo que
ocurre es que la trama introduce todo el tiempo nuevos personajes, con letreros
que indican su cargo, lo que desconcierta un poco e impide identificarse con
nadie, salvo quizás con un joven político y una estadounidense de origen nipón,
que tienen algo más de protagonismo. Acaban apareciendo demasiadas secuencias
dialogadas, con actores exageradísimos, y pocas de destrucción de ciudades, que
es lo que buscan los fans, por lo que éstos pueden sentirse algo decepcionados.
También
se desprende de Shin Godzilla un
envidiable alegato patriótico, a favor de que Japón solucione sus propios
problemas, a través del trabajo en equipo de sus ciudadanos, pues se viene a
concluir que si se confía demasiado en la comunidad internacional, con Estados
Unidos al frente, ésta mirará más por el interés global, aunque se perjudique
al país asiático. El varapalo a la poderosa Norteamérica también se puede
interpretar como un ajuste de cuentas a las dos producciones de la meca del
cine protagonizadas por Godzilla, que no gustaron mucho en Asia, sobre todo
–con razón– la primera.
ELLA (HER)
(Her. E.U. 2013. 120 mins.)
Director: Spike Jonze
Con: Joaquin Phoenix, Amy Adams, Olivia Wilde, Rooney Mara, Sam Jaeger, Portia Doubleday, Chris Pratt, Luka Jones, Laura Kai Chen, Matt Letscher, David Azar.
Guión:
Spike Jonze. Fotografía: Hoyte Van Hoytema. Música: Owen Pallet.
A Spike Jonze, realizador procedente del videoclip, se le
conoce sobradamente por sus películas con fuertes componentes surrealistas,
sobre todo ,Cómo ser John Malkovich y Adaptation. El ladrón de
orquídeas. Ocupado en diversos cortos y
un documental, se ha hecho esperar más de cuatro años desde Donde viven los monstruos para
estrenar Her,
su siguiente largometraje de ficción, segundo en el que ejerce como guionista
tras el anterior.
Her se desarrolla
en un futuro muy cercano que se distingue por sus avances informáticos. Tiene
como protagonista a Theodore Twonbly, un tipo que se gana la vida escribiendo
cartas supuestamente manuscritas para que otras personas las envíen a sus seres
queridos. Mientras trata de superar un traumático divorcio, prueba un avanzado
sistema operativo de ordenador, capaz de entablar conversaciones, que se
presenta como Samantha. A pesar de su carácter artificial, tras la femenina voz
sensual de Samantha parece esconderse una persona sensible y cercana, por lo
que nace una amistad que poco a poco se va transformando en amor...
Her se puede
interpretar como una crítica a la moderna deshumanización en la sociedad
actual, en la que no se establecen relaciones afectivas con máquinas, pero los
ciudadanos pasan mucho tiempo utilizando las redes sociales, y otras formas de
interacción con los demás a través del ordenador. Elementos del film como las
falsas misivas a mano resultan lo suficientemente expresivas del poco tiempo
que muchos dedican hoy en día a atender a los más próximos, y del hecho de que
en muchas ocasiones internet ha reemplazado al necesario contacto humano.
Es
posible que ofrezca una visión reduccionista del amor, pues llama la atención
que los protagonistas ni se planteen que su particular relación jamás les ofrecerá
la posibilidad de descendencia. Pero Her acierta al
mostar la omnipresencia del sexo en la sociedad, y el absurdo de las modernas
relaciones carnales vía chat.
Rodada
con la frescura habitual del cine de Jonze, Her cuenta con
una ambientación creíble y cercana, a pesar de algunos elementos fantásticos.
El mayor logro del realizador consiste posiblemente en darle verosimilitud, un
tono romántico y una entidad dramática rota por acertados golpes de humor a una
historia estrambótica que en otras manos podría haber caído en el ridículo.
Sobresale
el apartado actoral, por la excelente interpretación de Joaquin Phoenix,
en un personaje lleno de matices, bien secundado, sobre todo por las actrices Amy
Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, y en la versión original Scarlett
Johansson que se ha trabajado la cálida dicción de Samantha. También
realizan buenos doblajes Kristen Wiig (voz de un chat sexual) y el
propio director como un niño alienígena de videojuego, malhablado, pero que
tiene cierta gracia.
Her ha obtenido con
toda justicia el Globo de Oro al mejor libreto y cuatro candidaturas a los
Oscar 2014, en los apartados de película, guión original, banda sonora y
canción original.
