(E.U.
1987. 108 mins.)
Director:
Luis Valdez
Con: Lou Diamond Phillips, Esai Morales, Rosanna DeSoto,
Elizabeth Peña,
Danielle von Zerneck, Joe Pantoliano,
Brian Setzer, Rick Dees.
Guión:
Luis Valdez. Fotografía: Adam Greenberg. Música: Miles Goodman, Carlos Santana.
Esta es la verdadera historia de Ricardo
Valenzuela, conocido mundialmente como Ritchie Valens (Lou Diamond Phillips),
el legendario rockero de los años cincuenta que tuvo una meteórica carrera
dentro de la música como cantante, guitarrista y compositor de rock. Valens se
convirtió en una estrella gracias a la radio y a su éxito en sus conciertos.
Valens era un chico de 15 años que trabajaba con su madre Connie (Rosana De
Soto) en diversas granjas en California. La película también se centra en las
amistades de Ritchie y la rivalidad con su hermano mayor Bob (Joe Pantoliano) y
su relación con Donna (Danielle von Zerneck), su novia. El talento musical de
Valens era alentado, al principio, por su familia, aunque más adelante varios
miembros de su familia se convirtieron comenzaron a odiar la fama debido al
orgullo y a la envidia. El joven cantante de rock & roll que murió
trágicamente en un accidente aéreo cuando tenía 17 años.
Una
biopic musical centrada en uno de los artistas más influyentes a finales de los
50's, Ritchie Valens,
pioneo del rock chicano, quien cambiaría el curso de la música a partir de su
innovación, influyendo en músicos como los grandes Jimi Hendrix y Carlos
Santana.
La Bamba está basada en la vida de Ricardo Valenzuela, cantautor de
ascendencia mexicana y pionero en la escena del rock en Estados Unidos, cuya
carrera musical duró solo 8 meses, falleciendo el 3 de febrero de 1959 a los 17
años en un accidente aéreo, poco después de haber firmado su primer contrato
discográfico con Del-Fi Records.
Nominada
a los Globos de Oro por
mejor película dramática en 1987, la cinta cuenta con música de Los Lobos, Miles Goodman y Carlos Santana. Tiene actuaciones
de Lou Diamond Phillips como Ritchie Valens, Esai Morales como Roberto "Bob" Morales (el
medio hermano de Ritchie), Rosanna
DeSoto como Connie
Valenzuela (la madre de Ritchie), Elizabeth Peña como Rosie Morales, Danielle
von Zerneck como Donna
Ludwig y Joe
Pantoliano como Bob
Keane.
Cabe
destacar que los verdaderos Bob
Morales y Connie
Valenzuela acudieron numerosas veces al set de grabación para
ayudar a los intérpretes a representar a sus personajes acertadamente.
Aunque
originalmente la película sería titulado Let's Go, por el hit de Valens Come On, Let's Go, el filme dirigido por Luis Valdez, tiene su nombre en honor
al éxito La Bamba, que
ocupa el lugar 354 en la lista de las 500 Grandes Canciones de Todos los Tiempos de la
revista Rolling Stone, el único tema en español de
dicha lista. Ritchie y
su corta pero exitosa carrera musical también produjeron tres canciones que
llegaron al Billboard Hot 100.
La
Bamba fue
su grabación más importante, y destaca la combinación de la música tradicional
latinoamericana con rock, formúla que más adelante utilizarían artistas
como Selena, Caifanes, Café Tacuba, El
Gran Silencio, Aterciopelados y
muchos más. Irónicamente, la familia Valenzuela sólo hablaba inglés, y Ritchie
sabía muy poco español, aprendiendo la letra fonéticamente para grabar la
canción.
(Janis: Little Girl Blue. 2015. 115 mins.)
Dirección:
Amy Berg
Película
documental
Testimonios
de: Janis Joplin, Cat Power, Peter Albin, Dick Cavett, Kris Kristofferson, Pink, Laura Joplin, Juliette Lewis, Michael Joplin.
Guión: Amy Berg. Fotografía: Francesco Carrozzini, Jenna
Rosher.
Documental sobre la legendaria cantante estadounidense Janis
Joplin (1943-1970). La artista Cat Power, cantante de rock de origen sureño,
narra en primer persona cómo Janis Joplin llegó a convertirse en una estrella,
a través de las cartas que Joplin escribió durante años a sus familiares,
amigos y colaboradores, antes de su fatídica muerte a los 27 años.
Ríos de tinta se han
escrito sobre Janis y miles de metraje sobre su vida, su fulgurante trayectoria
y vertiginosa caída. Amy Berg ha hecho una revisión del mito paso a
paso, con objetividad, con muchas voces y testigos de la subida y posterior
caída. Es una retrospectiva llena de cariño, de amor y de comprensión y, por lo tanto, de tristeza. Hay
multitud de testigos que enriquecen la cinta con su mirada.
La historia de Janis Jopliin es tremenda. La inseguridad la llenaba
tanto, tenía tan poca autoestima que necesitaba el halago continuo. Y lo
consiguió porque harán falta muchas decadas para que salga un genio como ella. Era una negra dentro de un cuerpo de blanca, una voz
desgarradora, una emoción en el escenario como nunca se vio. Y un juguete roto,
no tanto por las drogas sino por el complejo de inferioridad que la acosaba. Se
sentía fea y el vuelo de una mosca la distraía para volver a caer en la
infelicidad.
Todo eso está
reflejado con un equilibrio preciso, con documentación abundante y con un tono
cálido que acaba desembocando en una tragedia veloz que nos llena de desazón y
tristeza, tanto como la que la invadía a ella. (José Manuel Cuellar. http://hoycinema.abc.es/)
Janis
Joplin es el paradigma de esos personajes públicos que arden rápido y cuyo
resplandor pervive en la retina colectiva. Esta película es un sugerente acercamiento a su faceta de pionera del rock&roll y a su compleja vida personal. Estructurado como un documental
estrictamente convencional, de los que la perspectiva del tiempo y la evolución
del género etiquetan como analógicos, está guiado por la voz narrativa de la cantante Cat Power.
Logra
una equilibrada mezcla entre un generoso material de archivo de sus actuaciones
y sus entrevistas, conversaciones con amigos, familiares, colegas y amantes y
documentos gráficos y sonoros que configuran un preciso y conmovedor retrato de esa mujer marcada por una permanente necesidad de
cariño, por una eterna autopercepción de patito feo, un
irreductible desorden emocional, insaciables impulsos transgresores y tantos
otros rasgos de personalidad que cristalizaron en su manera de cantar y estar
en los escenarios, con su voz desgarrada y su actitud única. (Alberto
Bermejo. http://metropoli.elmundo.es/)
(Backbeat.
Reino Unido. 1994. 100 mins.)
Director:
Iain Softley
Con:
Sheryl Lee, Stephen Dorff,
Ian Hart, Gary Bakewell,
Chris O'Neill,
Scot Williams,
Kai Wiesinger,
Jennifer Ehle
Guión:
Iain Softley, Michael
Thomas, Stephen
Ward. Fotografía: Ian
Wilson. Música: Don Was.
Película sobre los primeros tiempos de los Beatles, la acción transcurre durante una gira en Alemania, cuando John Lennon y su bajista Stuart Sutcliffe se interesan por la misma mujer, Astrid Kirchherr, una fotógrafa que pisa los talones al grupo. Aunque el apartado musical es agradable, los personajes son pintados con todas sus debilidades morales, sin apenas un ápice que provoque una mínima empatía, tan absorbidos se encuentran por su egoísmo. Y esto último lastra el conjunto.
Película sobre los primeros tiempos de los Beatles, la acción transcurre durante una gira en Alemania, cuando John Lennon y su bajista Stuart Sutcliffe se interesan por la misma mujer, Astrid Kirchherr, una fotógrafa que pisa los talones al grupo. Aunque el apartado musical es agradable, los personajes son pintados con todas sus debilidades morales, sin apenas un ápice que provoque una mínima empatía, tan absorbidos se encuentran por su egoísmo. Y esto último lastra el conjunto.
El británico Iain Softley debutó como director
con Backbeat, película
centrada en la figura de Stuart Stucliffe, conocido como el quinto beatle y en
los comienzos en Liverpool de la quizá sea la banda pop más famosa de la
historia. De esta manera, Backbeatse
alza como el retrato del comienzo de un mito desde una postura muy poco
mitológica que conlleva que la película se adentre en lo que resulta a la sazón
lo más interesante de la misma: el retrato de una época y de unos cambios sociales
que llevaron consigo o propiciaron la posibilidad de que surgiera un grupo como
The Beatles sino también una nueva forma de vivir, de comprender la vida, de
afrontarla. Junto al drama personal de los jóvenes músicos, de sus pulsiones,
de sus choques, vemos cómo Inglaterra está cambiando, transformándose. El
problema reside en que el retrato personal no es tan interesante como su
contexto y eso conlleva que la narración no acabe en todo momento de atrapar al
espectador, tan solo a retazos, teniendo que conformándose con sus contornos y
no tanto con el material que, en realidad, debería ser el núcleo de la acción.
(Rodolfo Sánchez http://www.sensacine.com/)
(Stoned.
Reino Unido. 2005. 102 mins.)
Director:
Stephen Woolley
Con: Leo Gregory, Paddy Considine, David Morrissey, Monet Mazur, Ben Whishaw, Tuva Novotny, Amelia Warner, Luke de Woolfson, David Walliams.
Guión:
Neal Purvis, Robert Wade. Fotografía: John Mathieson. Música: David Arnold
Brian Jones (Leo Gregory) fue algo más que un Rolling Stone.
Fue su miembro fundador en 1962, su líder, su visionario, su mejor músi-co...
Unos pocos años más tarde, a la edad de 27 años, Jones apareció muerto en el
fondo de su propia piscina. Oficialmente, se ahogó por accidente bajo los
efectos del alcohol y las drogas. Stephen Woolley, director y pro-ductor de la
película, ha pasado los últimos 10 años investigando las circunstancias que
rodearon a aquella fatídica noche del 2 de julio de 1969.
La madrugada del 3 de julio de 1969 no fue una más.
Fue la noche en que Brian Jones, fundador de los Rolling Stones, cerraba los
ojos por última vez. Pero con su muerte nacerían múltiples hipótesis que
convertirían la historia en un caso policial con varios involucrados, en una
leyenda con muchas versiones y un Brian Jones mitificado en potencia: ¿El gran
experimentador de sonidos e instrumentos de los Stones, el corazón genial de la
banda, se había suicidado, había tenido una sobredosis o había sido asesinado?
Y si lo fue: ¿por qué? ¿quién lo hizo?, se preguntaba el mundo en aquel
momento.
Aunque la respuesta oficial fue que el músico de 27
años se ahogó accidentalmente en la piscina de su casa, diversas circunstancias
hicieron creer que el desenlace de su historia no fue ni tan sencillo, ni tan
casual, ni tan pacífico. Esto a pesar del murmullo constante tras su muerte y
su “despedida” por los Stones, dos días después, con su multitudinario
concierto en Hyde Park.
"Estoy convencido de que fue asesinado. No
pienso que fue por el alcohol y las drogas" como dijo la versión oficial,
aseguró Stephen Woolle, director de Stoned, en plena promoción de su filme, el
filme que dice revelar la verdad acerca de la muerte de Jones, estrenado el
2005. La versión de esta película, spoilers aparte, es que Frank Thorogood, un
constructor que trabajó un tiempo dirigiendo la remodelación de la casa del
músico –y que sirvió de espía de Tom Keylock, empleado del círculo primario del
grupo, para saber no Jones si se drogaba, sino cuando, cuánto y con quién lo
hacía– había sido el último en estar en la fatídica piscina de su casa aquella
noche del 2 de julio y madrugada del 3.
Justo él, que acababa de ser despedido por Keylock
sin reconocerle, aparentemente, todo el dinero pactado inicialmente por su trabajo,
y que había desarrollado una relación de
simpatía-odio-antipatía-humillación-simpatía nuevamente con el Stone más
rebelde, sujeta a sus drásticos cambios de humor producto de su constante
consumo de vodka, fármacos y otros postres –y a su predisposición sicológica,
no nos hagamos los tontos–. Todo esto, claro, a decir de Stoned y de los libros
en que ha basado su versión: El asesinato de Brian Jones, de Anna Whoolin
–novia del músico en el momento de su muerte–, ¿Quién mató a Christopher
Robin?, de Terry Rawlings, y Paint It Black, de Geoffrey Giuliano. Tal parece
que, tras alguna violenta disputa, un Thorogood que se sentía muchas veces
menospreciado por Brian y su entorno, termina ahogándolo en aquella piscina.
Esto fue noticia real: Thorogood –aparentemente–
reveló su crimen en su lecho de muerte a Tom Keylock, el empleado de los Stones
que supervisaba todo lo concerniente a la vida de Brian. En la vida real, para
muchos, es probable que Keylock también haya estado vinculado a la extraña
muerte de Jones, pero en la película, incluso la quema de ropa y pertenencias
del fallecido Stone no pareció sospechosa –que lo fue– ¿Por qué? Quizás porque
Tom Keylock fue consultor histórico del filme. Y un dardo más: por esos azares
del destino, Keylock murió exactamente 40 años después del día que lo hizo
Brian, a los 83 años, el 2009.
Por si todo lo anterior no pareció suficientemente
tremebundo, hay otra teoría: Mick y Keith tuvieron que ver directamente con su
muerte. Aquella noche fatal, parece que habían estado en casa de su excompañero
–lo habían despedido hacía menos de un mes– tratando de arreglar un asunto
legal grave: a él le pertenecía el nombre The Rolling Stones… y no lo quería
ceder. Keith Richards terminó amenazándolo con un cuchillo, Mick intervino en
el asunto y o Keylock o Thorogood o los dos juntos o ninguno, los detuvieron.
Pero los músicos volvieron, secretamente, a acabar con él para ser los únicos
dueños de la banda. ¿Demasiada paranoia? ¿Una teoría sin pies ni cabeza?
¿Alguien cree realmente capaces a Mick y a Keith de hacer eso? ¿Acaso los
conocemos bien, aunque conozcamos su historia y todas sus canciones? Quién
sabe. (http://elcomercio.pe)
"El verdadero protagonista
del evento es el magnífico montaje de una película de lujosa ambientación,
excelente fotografía y aire alucinógeno. Una auténtica experiencia rock."
(Javier Ocaña: Diario El País)
(Bound
for Glory. E.U. 1976. 147 mins.)
Director:
Hal Ashby
Con: David Carradine,
Ronny Cox, Melinda Dillon,
Gail Strickland,
John Lehne, Ji-Tu Cumbuka,
Randy Quaid, Elizabeth Macey.
Guión:
Robert Getchell. Fotografía: Haskell Wexler. Música: Woody Guthrie, Leonard
Rosenman.
Historia del cantante y compositor Woody
Guthrie. Ambientada en la época de la Gran Depresión (años 30), presenta al
cantante recorriendo América en ferrocarril, gracias a lo cual llega a conocer
a muchísima gente afectada por la miseria más extrema.
Film inspirado en el texto autobiográfico del músico folk Woody Guthrie "Bound for Glory", arranca
en 1936, cuando Estados Unidos está hundido en una fuerte depresión económica.
Woody, casado y con dos niñas, se resiste a dejar el pueblo texano en que
habita para buscar una vida mejor en California, como han hecho muchos de sus
vecinos. Pero finalmente, impelido por su mujer, emprende viaje a la costa
Oeste. Allí va a descubrir un mundo de miseria, donde la gente sencilla es
explotada como peones en el campo por terratenientes sin demasiados escrúpulos.
Al tiempo es consciente por primera vez del don que tiene para cantar y
componer; y sus canciones encontrarán temas de calado en la injusticia que
contempla a su alrededor. Lo que es difícil de aceptar en la radio que le da su
primer trabajo.
Hal Ashby entrega
un biopic de ritmo pausado, que lejos de pretender abarcar la vida entera de
Guthrie, se centra en la autoconciencia de su don musical, que viene a
coincidir con el reconocimiento de la pobreza de tantas personas, y las
posibilidades que él tiene para intentar ponerle remedio. En su esfuerzo por
recoger las circunstancias sociales y económicas, Ashby se encuentra sin duda
influido por títulos como Las viñas de la ira y El emperador del Norte,
esta última rodada tres años antes.
David Carradine da
vida al cantante, y sabe imprimir a su personaje su carácter idealista, que le
lleva a la desatención de su familia, algo que pese a todo le duele: no es
capaz de conciliar su carrera y conciencia social, que le llevan a estar
siempre "en el camino", con el cuidado de los suyos, que le exigiría
unas concesiones que no puede admitir. El film contó con la colaboración de la
familia de Guthrie (el cantante estuvo casado tres veces, aunque aquí sólo
conocemos a su primera esposa), y además de en el apartado musical, destaca
sobre todo por la hermosísima fotografía de Haskell
Wexler, que aprovecha como nadie los contrastes y la luz difusa, ya sea por las
tormentas de polvo, el humo e incluso telas. Para conseguir un aspecto visual
muy característico, Wexler veló parcialmente la película antes de rodar; y
así, escenas comos las nocturnas del campamento, son de un lirismo
sencillamente deslumbrante. Precisamente la película ganó dos Oscar, por su
fotografía y banda sonora. (decine21.com)
(This
is Elvis. E.U. 1981. 101 mins.)
Director:
Malcolm Leo, Andrew Solt
Película
documental
Testimonios
de: Elvis Presley, David Scott, Paul Boensch III, Johnny Harra, Lawrence Koller, Rhonda Lyn, Debbie Edge, Larry Raspberry, Furry Lewis, Liz Robinson, Dana MacKay, Knox Phillips, Cary Grant, George Hamilton, Bob Hope, Groucho Marx, Priscilla Presley, Frank Sinatra, Barbara Stanwyck.
Guión:
Malcolm Leo, Andrew Solt. Fotografía: Gil Hubbs. Música: Walter Scharf con
canciones de Elvis Presley.
Este es
el famoso documental rodado en Las Vegas en el verano del '70. El Rey del Rock,
de vuelta ya de todo, comienza su etapa más glamorosa -y decadente, claro- pero
siempre con su estilo inigualable. Este verdadero documento contiene tomas de
los ensayos, camarines y sobre el escenario (donde se ratifica como un
maestro).
Elvis Presley escribió historia mundial durante sus 24 años
de carrera. Ahora su biografía autorizada se despliega en este maravilloso
análisis de una vida que impactó. Este es Elvis es un retrato íntimo entre
bastidores. Se inspira en entrevistas con la gente que mejor conocía a Presley,
familia, amigos, empleados, y el mentor/manager Tom Parker y cuenta con
secuencias sorprendentes.
Aunque
varios actores interpretan Elvis Presley en diferentes etapas de su vida, este
documental está compuesto en su mayoría de grabaciones de actuaciones reales y
entrevistas con Elvis, sus fans y las personas cercanas a él. Su llegada a la
escena nacional, en 1956, se destaca por los clips de "Stage Show",
"The Milton Berle Show" y "The Ed Sullivan Show". Escenas
de varios de sus 33 películas se destacan entre ellos su debut en la pantalla
en "Love Me Tender" (1956) y el aclamado "Rey" criollo
"(1958), su última película antes de un enganche de 2 años en el ejército.
Desde 1960 -68 mantuvo ocupado haciendo películas y bandas sonoras, así como
algunos álbumes Gospal. Después de una ausencia de casi 9 años de actuar en
directo, Elvis regresó en 1968 para hacer una televisión titulada especial
"Elvis" y en 1969 realizó en Las Vegas por primera vez desde 1956.
Sus apariciones Vegas, junto con sus giras de conciertos amplias de la nación,
continuaron durante el resto de su carrera.
(What's Love Got to Do with It. E.U. 1993. 120
mins.)
Director:
Brian Gibson
Con: Angela Bassett, Laurence
Fishburne, Vanessa Bell Calloway, Jennifer Lewis, Phylis Yvonne Stickney, Khandi Alexander.
Guión:
Kate Lanier. Fotografía: Jamie Anderson. Música: Stanley Clarke. Canciones con
Tina Turner.
Biopic que narra la vida y la trayectoria musical de Tina
Turner desde sus inicios, en los que con 19 años conoce al carismático músico
Ike Turner. Nacida Anna Mae Bullock en 1939 en una pequeña población de
Tennessee, el destino de Tina no le dio ni un segundo de descanso. Junto a Ike
alcanzó la cumbre en el mundo de la música, pero también pagó muy caro el
éxito: su matrimonio estuvo marcado por la violencia, los malos tratos y la
angustia, pero Tina pudo encontrar el valor suficiente para abandonarlo todo y
empezar de nuevo su vida y su carrera. De lo más bajo a lo más alto.
Basada en
el libro autobiográfico "Yo Tina", de Tina Turner y Kurt Loderr.
Se trata de un recorrido por la verdadera historia de esta superestrella del
rock norteamericano y mundial. Con sólo 19 años conoce al carismático músico
Ike Turner y comienza una carrera vertiginosa hacia el éxito. Pero diversos
problemas personales y matrimoniales la condujeron al borde del abismo. Sin
embargo, con coraje y decisión, Tina logró hacer borrón y cuenta nueva y
recomenzar una carrera que aún hoy en día no ha hecho más que ascender.
Historia
magníficamente narrada, con buenas interpretaciones y una música verdaderamente
magistral. Imprescindible para los incondicionales de esta estrella de la
música moderna.
(E.U.
2004. 121 mins.)
Director:
Kevin Spacey
Con: Kevin Spacey, Kate Bosworth, John Goodman, Bob Hoskins, Brenda Blethyn, Greta Scacchi, Caroline Aaron, William Ullrich.
Guión: Paul Attanasio, Lorenzo Carcaterra, James Toback, Jeffrey Meek. Fotografía:
Eduardo Serra. Música: John Wilson
Biografía del popular cantante Bobby Darin
("Splish Splash" o "Beyond the sea"). Walden Robert
Cassotto nace en 1936 con el corazón afectado por una fiebre reumática. Los
médicos aseguran que morirá antes de los quince años, pero, cuando su madre
(Brenda Blethyn) logra transmitirle la felicidad que proporciona la música,
Walden encuentra la inspiración necesaria para mantenerse vivo. Entonces el
enfermizo chico del Bronx cambia su nombre por el de Bobby Darin (Kevin Spacey)
y se convierte en una auténtica estrella que llega a rivalizar con el propio
Sinatra. Además, su carrera como actor es reconocida con una nominación al
Oscar al mejor actor secundario por su papel en Captain Newman. Bobby se
enamora de Sandra Dee (Kate Bosworth), una actriz muy popular, con la que forma
la pareja perfecta de Hollywood. Su inquietud y su insaciable curiosidad lo
llevan a cultivar los más diversos géneros musicales: pasa del rock and roll al
pop, del gospel al country y finalmente a la música folk. Sus éxitos sólo han
sido superados por Elvis Presley y Ray Charles. Sin embargo, su desmedida
ambición ha empezado a envenenar su vida privada.
(Nowhere
Boy. Reino Unido. 2009. 98 mins.)
Director:
Sam Taylor-Johnson
Con: Aaron Taylor-Johnson, Kristin Scott Thomas, Thomas Brodie-Sangster, Sam Bell, Anne-Marie Duff, David Morrissey, Ophelia Lovibond, Josh Bolt, Jack McElhone, Calum O'Toole, Ellie Jeffreys, Les Loveday.
Guión:
Matt GreenHalgh. Fotografía: Seamus McGarvey. Música: Alison Goldfrapp, Will
Gregory.
Película biográfica que va desde la infancia y adolescencia
de John Lennon hasta la formación de los Beatles. Liverpool 1955: John era un
quinceañero inteligente y rebelde, con una familia conflictiva, sin padre, y en
la que dos mujeres vivían enfrentadas porque tenían ideas contrapuestas
respecto a su futuro: Mimi, la tía severa que lo había criado, y Julia, su
madre, una mujer llena de vitalidad. Impulsado por el deseo de tener una
familia normal, John se refugia en el excitante mundo del rock, donde encuentra
su alma gemela en el adolescente Paul McCartney. Pero justamente cuando John
está a punto de empezar una nueva vida, sufre una trágica pérdida. El joven
Lennon, entonces, tendrá que encontrar fuerzas suficientes para seguir adelante
y su voz resonará por todo el mundo dando vida al mito... Biopic escrito por
Matt Greenhalgh, guionista del aclamado film "Control" que narraba la
vida de Ian Curtis.
En "Mother", una de las grandes canciones de la historia del
pop, John Lennonn –ya en su carrera en solitario– exorcizaba a uno de sus más
grandes demonios: la relación con su madre. "Mother, you had me, but I
never had you...", decía la célebre pieza, o sea "madre, tú me
tuviste, pero yo nunca te tuve a ti". La británica Sam Taylor-Wood reconstruye
la historia del acercamiento del músico a su madre en su juventud, en su debut
en el largometraje.
Nowhere
Boy –título que hace referencia a que pronosticaron que el rebelde
Lennon no iba a ninguna parte– se desarrolla en Liverpool, a mediados de los
50. El futuro músico es un indisciplinado quinceañero que ha vivido desde que
recuerda al cuidado de Mimi, su severa tía, y el marido de ésta, que fallece
inesperadamente. Deseoso de conocer quién es su madre, John se fija en una
mujer pelirroja que acude al funeral, y que efectivamente resulta ser la mujer
que le dio a luz. Ésta es una mujer optimista y alegre, pero irresponsable –la
antítesis de Mimi–, que ha empezado una nueva vida con otro hombre, y tiene dos
hijas. Mientras Lennon forma su primer grupo, The Quarrymen, descubrirá
secretos del pasado, tratará de recuperar el tiempo perdido con su progenitora,
y asistirá a una incipiente rivalidad entre ésta y su tía.
El film apasionará a los seguidores de Lennon, que busquen una especie
de biopic, pues se ciñe con fidelidad a su vida, y recrea momentos legendarios,
como su primer encuentro con un jovencísimo Paul McCartney. Describe con mucha
pasión los primeros años del rock and roll, y la repercusión de los músicos
americanos en los jóvenes ingleses que posteriormente harían evolucionar este
estilo musical.
Pero además, interesará al resto del público, porque se trata de un
sólido drama sobre la relación entre las dos hermanas y Lennon. La neófita
Taylor-Wood le ha sacado mucho jugo al libreto de Matt Greenhalgh,
especialista en biografías de músicos británicos, pues fue el guionista de la
sólida Control; esta ocasión adapta
el libro de memorias de Julia Baird, hermana de Lennon, y reflexiona con
bastante inteligencia sobre la necesidad de afecto, la unidad con los seres queridos,
la responsabilidad familiar, etc., en secuencias cercanas y emotivas.
No resulta sorprendente que se coma literalmente la película, aunque no
es la que más tiempo aparece en pantalla, la veterana Kristin Scott Thomas, como abnegada tía que aunque no
ha parido al chico, ha ejercido en la práctica como auténtica madre. (http://decine21.com/)
(Sid and Nancy. Reino Unido. 1986.
111 mins.)
Director:
Alex Cox
Con: Gary Oldman, Chloe Webb, Courtney Love, David Hayman, Xander Berkeley, Perry Benson, Andrew Schofield.
Guión: Alex
Cox, Abbe Wool. Fotografía: Roger Deakins. Música: Joe Strummer y Varios.
Cox repasa la trayectoria y los últimos años de
Sid Vicious, líder del mítico grupo punk Sex Pistols. Sid Vicious y Johnny
Rotten eran las estrellas del grupo de rock Sex Pistols. Sid se enamorará de
una chica americana, Nancy, y ambos no sólo mantendrán una relación juntos,
sino también con el mundo de las drogas. En octubre de 1978, en el hotel
Chelsea de NY, Nancy es encontrada apuñalada junto a Sid, abatido de pena.
Arrestado y acusado de su asesinato, muere de sobredosis antes del comienzo de
su proceso judicial...
Alex
Cox narra estos hechos de modo desgarrado y nada
complaciente. Acompaña al relato la música de Sex Pistols, a todo trapo. Gary Oldman completa uno de sus típicos trabajos de tipo marginal.
(Control. Reino Unido. 2007. 121 mins.)
Director:
Anton Corbijn
Guión: Matt Greenhalgh sobre el libro de Deborah Curtis.
Fotografía: Martin Ruhe. Música: Joy Division.
Película sobre los últimos años de Ian Curtis, el enigmático
cantante de la banda Joy Division e icono del post-punk inglés, hasta su
trágico suicidio en 1980. Cómo le afectó el dramático conflicto entre el gran
amor que sentía por su esposa y la apasionada relación con su amante, sus
ataques de epilepsia, su extraordinario talento y sus arrolladoras actuaciones
en directo.
Apasionante
biopic de Ian Curtis, joven vocalista del grupo Joy Division. El film sigue su
trayectoria desde la época de adolescente escolar, pasando por sus primeros
pasos musicales, que compatibiliza con el trabajo en una oficina de empleo,
hasta que la muerte le alcanza prematuramente en un momento difícil en lo
personal, pero magnífico en lo profesional. La película se basa en el libro
escrito por quien fuera su esposa, Deborah, y llama la atención la mesura de la
narración y el magnífico ritmo. Aunque se describen situaciones difíciles y de
crisis, incluida la infidelidad de Ian con Annik Honoré, una fan, la mirada es
objetiva y desapasionada, lo que no es, para nada, sinónima de fría. Hay un
esfuerzo serio por acercarse al personaje y tratar de entenderle, sin juzgarle
frívolamente, ya fuera para excusarle o para condenarle; y para ello resulta
muy acertada la opción de la fotografía en blanco y negro,
La
película muestra el enamoramiento juvenil de Ian y Deborah, con una proposición
matrimonial inusualmente temprana. Y sigue la evolución de la banda, las
influencias de otros grupos, las incursiones promocionales en la televisión, el
padrinazgo de un promotor que cree en Joy Division... Todo acompañado, por
supuesto, por las canciones en cuya letra Curtis vuelca toda su creatividad, y
que presentan mucho de autobiográfico, pues contienen ideas muy personales sobre
los altibajos anímicos -a Curtis se le diagnostica una epilepsia sin
tratamiento definitivo, con la que debe aprender a convivir; al cantante le
cuesta amoldarse al amor de la vida conyugal, con una esposa ama de casa, y una
hijita, y en cambio le atrae Annik, que disfruta con los conciertos...- y son
expresión de su alma de artista. A diferencia de otros enfoques de bandas, que exhiben
los aspectos más sórdidos de la profesión, aquí late una mirada romántica
aunque no exenta de aristas, y se tiene la sensación de estar ante algo
bastante próximo a la realidad. El reparto está a la altura, desde la única
conocida del reparto, Samantha
Morton, en el papel de la esposa, al desconocido Sam Riley, que atrapa bien el tormento
interior del artista que, como dice en una de sus canciones, empieza a ver que
está perdiendo el control. Dirige la cinta el holandés Anton Corbijn, hasta
ahora conocido sólo por sus vídeos de distintos grupos musicales, como U-2 o
Metallica.
Mención Especial en la Cámara de Oro, Premio de la Juventud y
Premio Label Europa Cinema en el Festival de Cannes.
LA HISTORIA DE BUDDY HOLLY
(The Buddy Holly Story. E.U. 1978. 113 mins.)
Director:
Steve Rash
Con: Gary Busey, Don
Stroud, Charles Martin Smith, Conrad Janis, William Jordan, Maria Richwine, Amy Johnston, Dick O'Neill, Fred Travalena, Neva Patterson, John F. Goff, Gloria Irizarry.
Guión: Robert Gittler, John Goldrosen sobre una historia de
Alan Swyer. Fotografía: Stevan Larner. Música: Joe Renzetti.
Esmerado
biopic del genial cantante y compositor texano Charles Hardin Holley, más
conocido como Buddy Holly, que vio truncada su vida trágicamente en un
accidente aéreo, cuando sólo tenía veintidós años. Influido por el country y el
rock, desarrolló un estilo propio, y era un auténtico visionario, cuya acusada
personalidad le permitió dictar sus reglas del juego en las discográficas. Se
le considera, con su grupo The Crickets, el creador del clásico esquema de dos
guitarras, un bajo y una batería, con una influencia decisiva en grupos como los
Beatles y los Rolling Stones.
El film
sigue los derroteros de su carrera, con temas tan populares como "Peggy
Sue", "That'll Be the Day", "Maybe Baby" y "Not
Fade Away", y la imagen caraceterística de su tupé y sus gafas de pasta. E
incluye las diferencias que surgen dentro de The Crickets. La película sabe
recoger lo revolucionario de unos ritmos nunca vistos antes, hasta el punto de
que algunos creían que el grupo lo componían músicos negros. Y desarrolla bien
la historia romántica con la portorriqueña María, con la escena de la pedida
que arranca en una proyección de una película en 3-D. Gary
Busey entrega una magnífica interpretación, de adecuado desparpajo, a la
que ayudaron sus conocimientos musicales (él y los otros actores cantan y tocan
los instrumentos realmente), y que fue nominada al Oscar. Además, el film se
llevó la estatuilla correspondiente a la banda sonora.
(Miles
Ahead. E.U. 2015. 100 mins.)
Director:
Don Cheadle
Con: Don Cheadle, Ewan McGregor, Michael Stuhlbarg, Emayatzy Corinealdi, Lakeith Lee Stanfield, Morgan Wolk, Austin Lyon.
Guión:
Steven Baigelman, Don Cheadle. Fotografía: Roberto Schaefer. Música: Herbie
Hancock.
La publicación de los álbumes Agharta y Pangaea, en los que se recogían los dos conciertos
sucesivos que dio el septeto liderado por Miles Davis en la ciudad de Osaka el
1 de febrero de 1975, marcaron un controvertido punto límite en la carrera del
músico. Un punto límite que dividió a ortodoxos y progresistas y que precedió
al agujero negro de cinco años que mantuvo a Davis retirado del mundo, en
aparente dique seco, lidiando con adicciones y dolencias, como un flamígero
eremita en su apartamento del Upper West Side. Hasta ese momento, la carrera de
Miles Davis había seguido el imperativo de la exploración constante. Agharta yPangaea supusieron
la culminación de su periodo eléctrico: algunos interpretaron esos trabajos
como una extenuación de su talento, pero el tiempo acabó reevaluándolos como
visionaria intuición de un futuro del jazz definido en la fusión y el mestizaje.
En Miles Ahead, su primer largometraje como director, el actor
Don Cheadle asume la arriesgada decisión de adoptar como punto de partida ese
paréntesis creativo en la vida de Davis: el conjunto (supuestamente) vacío que
se extiende entre la crisis y el renacimiento. Es decir, el territorio más
inesperado —e ingrato— desde el que plantear un biopic. Y ahí reside
precisamente la gran singularidad de este trabajo en el que Cheadle —estrella,
co-guionista y productor— se ha implicado en cuerpo y alma y que, de hecho,
puede resultar tan provocador para los guardianes de las esencias como en su
día lo fue Agharta para
el grueso de la crítica de jazz.
Miles Ahead no es un biopic, sino una apropiación
—y lectura— de la figura de un gigante capturado en su momento de máxima
crisis: aunque las dos películas no se parezcan demasiado, aquí Miles Davis no
está tan lejos del Toby Dammit(1968) de Federico Fellini, que, por cierto,
tampoco era una adaptación de Poe, sino su vampirización, la lectura de su
esencia. Cheadle aprovecha ese pozo existencial para fundir tiempos —su
habilidad para la transición imaginativa y pertinente merece ser celebrada—,
leer a Miles como genio que perdió la gracia de su musa —la historia de amor
con Frances Taylor es la doliente línea melódica del conjunto— y envolverlo
todo con una trama que tiene algo de búsqueda de un esquivo Santo Grial que
podría ocultar, en realidad, a un Halcón Maltés (el sueño). Una película ambiciosa,
arriesgada y felizmente imprevisible. (Jordi Costa. El País)
(It's All Gone Pete Tong. Canada 2004. 90 mins.)
Director: Michael Dowse
Con: Pete Tong, Paul Kaye, Beatriz Batarda, Kate Magowan, Mike Wilmot, Neil Maskell, Monica Maja, Ron Lloy Hugh
Elliston, Dan Antopolski, Tim Plester, Paul Spence, David Lawrence, Steve Oram, Tiësto.
Guión: Michael Dowse. Fotografía: Balazs Bolygo. Música:
Graham Massey
Comedia dramática basada en la trágica vida del mundialmente
famoso DJ Frankie Wilde. En forma de biografía, la historia nos lleva a través
de la vida de Frankie desde sus alturas siendo uno de los mejores DJ's vivos, a
través de sus caídas en su posterior batalla con un trastorno acústico,
culminando en su misteriosa desaparición de la escena.
Coproducción
entre Gran Bretaña y Canadá que en tono de comedia dramática reconstruye la
vida de Frankie Wilde, un famoso pinchadiscos. Wilde alcanzó la fama, pero tuvo
que hacer frente a un trastorno acústico que le hizo retirarse de la escena. A
continuación sufrió una depresión. Supone el primer largo de ficción del
canadiense Michael Dowse.
La
película muestra la vida conocida de este DJ que se metió al público en el
bolsillo. Una vida de éxito como la de muchas estrellas de rock, marcada por
los excesos, el alcohol, el sexo y las drogas. Y decimos “conocida” porque
después de su retirada no se ha vuelto a saber de él, y desde entonces ha
pasado a convertirse casi en una leyenda. Mucho se ha especulado sobre el
paradero de Frankie, e incluso sobre si sigue vivo. Algunos afirman que lo han
vuelto a ver, pero la cuestión es que nada se sabe de este rey de los discos.
(Ge ton Up. E.U. 2014)
Director: Tate Taylor
Con: Chadwick Boseman, David Andrew Nash, Nelsan Ellis, Viola Davis, Octavia Spencer, Jill Scott, Tika Sumpter, Dan Aykroyd, Keith Robinson, Lennie James, Fred Melamed, Craig Robinson.
Guión: Jez Butterworth, John-Henry Butterworth sobre la historia de Steven Baigelman, Jez Butterworth, John-Henry Butterworth. Fotografía: Stephen Goldblatt. Música:
Thomas Newman.
Biopic
del cantante James Brown, llamado padrino del soul. Nacido en Carolina del Sur
en 1933, Brown tuvo una vida movidita, llena de acontecimientos, y fue desde lo
más bajo de la escala social hasta lo más alto. Su infancia fue tremendamente
pobre y desafortunada, fue abandonado por sus padres y pasó una temporada en la
cárcel. Pero su suerte cambió cuando fue acogido por la familia de su amigo Bob
Byrd y formó con él la banda de gospel The Famous Flames. A partir de ese
momento, su voz y su personalidad harían el resto y le convertirían en una de
las estrellas de la música más famosas de la historia.
El
director de Criadas y señoras, Tate Taylor, ofrece una película notable,
apoyada, más que en el guión o en la fuerza de la historia, en la arrolladora
personalidad del protagonista, cuya vida es uno de esos ejemplos modélicos del
“american way of life”, el hombre hecho a sí mismo que con talento y trabajo
llega a lo más alto. Narrativamente I Feel Good es
un film osado ya que juega con el tiempo, adelante y atrás, con demasiada
frecuencia y en muchas ocasiones da la sensación de que el único objetivo de
ese montaje es romper con el desarrollo natural de los hechos; del mismo modo
es opinable el recurso de dirigirse al espectador, como hace el protagonista en
varias ocasiones. Aunque, por otra parte, es cierto, ese enfoque fresco y
desenfadado cuadra con la personalidad de Brown, un tipo difícil de etiquetar,
de una gran singularidad, sin pelos en la lengua y con una libertad de
actuación rompedora en su época. Desde luego no cabe duda de que James Brown
fue un pionero, tanto en el modo de cantar y sentir el rimo, como en la puesta
en escena, incluida una forma de bailar que era un embrión de lo que luego se
llamaría “breakdance”, con Michael Jackson a la cabeza. Brown hizo
soul, rhythm & blues y muchos le consideran además el creador de funk.
Por
supuesto, como es habitual en tantas estrellas de este tipo, volcadas en su
arte, con el ego desorbitado, la amistad y la vida personal y familiar son
harina de otro costal y en Brown esa faceta fue también atípica, nada ejemplar,
objeto de sus emociones caprichosas y de sus estados de ánimo. Así lo muestra
el film, aunque procure comprender al biografiado y se aleje de excesos que lo
hagan desagradable. El no demasiado conocido Chadwick Boseman es el actor que
da vida a Brown y desde luego hace un trabajo sobresaliente, aunque a veces
pueda resultar algo histriónico. De cualquier forma, le sobra talento y su
carrera podría despegar rápidamente. Los secundarios acompañan lo justo, y
entre ellos destaca Dan Aykroyd. Y, por supuesto, el film está salpicado de
canciones, reconocibles muchas de ellas, segmentos bien escogidos dentro del
amplísimo repertorio de Brown, tras sesenta años en los escenarios. (decine21.com)
(I’m Not There. E.U. 2007. 129 mins.)
Director: Todd Haynes
Con: Cate Blanchett, Heath Ledger, Christian Bale, Richard Gere, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Charlotte Gainsbourg, Julianne Moore, Michelle Williams, Bruce Greenwood, Kyle Switzer, Kris Kristofferson.
Guión: Todd Haynes, Oren Moverman. Fotografía: Edward
Lachman. Música: Bob Dylan.
Retrato del legendario músico Bob Dylan. Seis intérpretes encarnan diferentes momentos de la vida personal y profesional del cantante norteamericano que revolucionó la música popular en los años 60 y 70. Desde entonces, su influencia sobre músicos, escritores, poetas y sobre la cultura en general ha sido permanente. El filme consta de varias historias cuyos protagonistas son de lo más heterogéneo: Woody (Marcus Carl Franklin) es un niño negro de once años que siempre está huyendo. Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego que vive en la carretera. Jude (Cate Blanchett), un joven andrógino, es estrella del rock. John (Christian Bale), un ídolo folk que se convierte en evangelista. Y Billy (Richard Gere) es un famoso fugitivo.
Retrato del legendario músico Bob Dylan. Seis intérpretes encarnan diferentes momentos de la vida personal y profesional del cantante norteamericano que revolucionó la música popular en los años 60 y 70. Desde entonces, su influencia sobre músicos, escritores, poetas y sobre la cultura en general ha sido permanente. El filme consta de varias historias cuyos protagonistas son de lo más heterogéneo: Woody (Marcus Carl Franklin) es un niño negro de once años que siempre está huyendo. Robbie (Heath Ledger), un artista mujeriego que vive en la carretera. Jude (Cate Blanchett), un joven andrógino, es estrella del rock. John (Christian Bale), un ídolo folk que se convierte en evangelista. Y Billy (Richard Gere) es un famoso fugitivo.
Desde que en 1987 contase la vida de Karen
Carpenter sirviéndose de muñecas Barbie, Todd Haynes ha construido una
arriesgada y, ante todo, imprevisible carrera que, con frecuencia, ha recurrido
a la disección heterodoxa de iconos pop y a la impostación de registros en
forma de ejercicio de estilo. Su trabajo más logrado y radical -Safe (1995)-
fue, no obstante, el que se apartó con más vehemencia de esas dos constantes
que confluyen en I'm not there, poliédricobiopic de
Bob Dylan que Haynes parece haber diseñado como su potencial obra maestra. En
su estreno, la plana mayor de la más exigente crítica norteamericana la colocó
en un lugar de honor en sus balances del año.
Hija mutante de ese Ciudadano Kane(1940) glam que fue Velvet goldmine(1998), I'm not there no se resigna a la idea de que en su
objeto de estudio exista una sola identidad: el discurso se disgrega en seis
microrrelatos que se entrecruzan, dominados por distintos actores -que no
encarnan tanto versiones de Dylan como aspectos parciales de su personalidad y
su mito- y en los que Haynes varía de clave estética, del falso documental al westernpsicodélico o el pastiche felliniano.
Biopic fractal o
tratado sobre la esquizofrenia del genio, el resultado puede resultar todo un
festín para el dylaniano de pro por su marcada renuncia a ofrecer las
satisfacciones más epidérmicas del género y por su generoso porcentaje de
guiños para iniciados. Para otro tipo de espectador quizá la figura de Dylan
siga resultando tan opaca como antes de ver la película.
La estrategia de Haynes evita esa mecánica del cine biográfico que
consiste en coger una vida y convertirla en una narrativa -por lo general, de
redención o de ascensión y caída-, pero no deja de reducir un enigma (Dylan) a
la condición de funcional figura articulada en seis ideas básicas. A este
crítico le gusta mucho más la idea de la película -y algunos de los brillantes
y esclarecedores análisis que se han escrito sobre ella- que la película misma,
demasiado pagada de sí en su extenuante vocación experimental. (Jordi Costa. El
País)
(E.U.
2009. 86 mins.)
Director:
Tom Dicillo
Película
documental
Guión:
Tom DiCillo. Fotografía: Paul Ferrara. Música: The Doors
Un retrato del cuarteto de rock emblemático de los años
‘60: The Doors. Narrado por Johnny Depp, el documental muestra material fílmico
jamás dado a conocer y ofrece una nueva visión del impacto que dejó el legado
musical de la banda.
La película es un apasionante recuento de la historia del
grupo, desde sus inicios en la escuela de cine de UCLA donde Manzarek y
Morrison se conocieron, hasta sus masivos y trepidantes conciertos. Desde una
perspectiva íntima, esta película descubre la faceta creativa de una de las
bandas más influyentes en la historia del rock.
Los Doors, la banda que se inventó un sonido, un ritmo y unas canciones
con efectos tan hipnóticos como perdurables, tuvieron la desgracia de que un
Oliver Stone que parecía acercarse a ellos con el mismo grado de cuelgue que
identificaba al propio Jim Morrison les dedicó una oda muy tonta, una sicodelia
irritante con vocación de herido lirismo. Tom DiCillo arregla parcialmente
aquel desastre con el atractivo documental When you're strange.
Lo consigue con la voz del lujoso narrador Johny Depp, alguien que
transparentemente no se ha embarcado en esa misión por dinero sino por la
fascinación que le provoca Morrison, con filmaciones ya conocidas de los Doors
y de sus conciertos y otras inéditas, con imágenes paralelas que revelan la
convulsión que vivió Estados Unidos en la década (¿prodigiosa?) de los sesenta
y la identificación emocional que tanta gente encontró en su música, la
inmersión sin retorno de Morrison en un pozo negro habitado por alcohol
insaciable, ácidos, coca, provocación, exhibicionismo y depresión. Tambien los
frenéticos aunque torpes intentos del propio Morrison en hacer una road-movie que expresara su caos y de encontrar la
ansiada plenitud escribiendo poesía y desertando de los escenarios.
Cuentan que los amores ancestrales de este hombre fueron los visionarios
y geniales poemas de William Blake y de Rimbaud. Su lírica nunca alcanzó ni
remotamente esas cimas. A través de When you' re strange intuyes
que el sensual y siempre puesto Morrison no solo fue un calvario para sí mismo,
sino para todos los que le rodearon. Ningún deseo por mi parte de ir a
Père-Lachaise a depositar lágrimas y flores en su tumba. Pero permanecen
después de infinitos años las mismas e impagables sensaciones cada vez que
escucho Light my fire, Riders on the storm y The end. (Carlos
Boyero. El País)
FECHAS Y HORARIOS DE PROGRAMACIÓN EN LAS ESCUELAS:
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CECyT
1: GONZALO VAZQUEZ VELA
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CECyT 2: MIGUEL BERNARD PERALES
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CECyT 10 : CARLOS VALLEJO MARQUEZ
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CECyT 12: JOSE MARIA MORELOS Y PAVON
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JUEVES
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CECyT 14: LUIS ENRIQUE ERRO
VIERNES
13 y 15 hrs.
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CECyT 15: DIODORO ANTUNEZ ECHEGARAY
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E.S.I.A. ZACATENCO
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MIERCOLES 11 :30 y 17 :30
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MIERCOLES 13 :00 hrs.
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ESIT
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JUEVES
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